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lunes, 15 de diciembre de 2014

Doce citas con fotógrafos: Noviembre. Helmut Newton.

Finaliza el mes de Noviembre y con él una cita más de las doce que conforman el proyecto que estoy llevando a cabo junto a mis compañeras de El Objetivo Mágico.

Este mes la cita ha sido con el gran Helmut Newton.

Helmut Newton (Helmut Neustädter) de origen judío, nació en Berlín en 1920. Compró su primera cámara en 1932 con sus ahorros, a los 12 años. Una Agfa Tengor Box con carrete. Sus primeras fotos fueron en el metro, y todas las fotos se velaron excepto una: la torre Funkturm. Estaba bastante bien encuadrada y Helmut la tuvo en tanta estima como para incluirla en sus recopilatorios. En 1936 fue expulsado de la escuela por su pésimo rendimiento ("en su cabeza sólo hay chicas y fotos", repetía a menudo su padre) y poco después entró como aprendiz en el estudio de la fotógrafa berlinesa Yva.

En 1938, justo cuando comenzó la persecución contra los judíos, abandonó Alemania hacia Singapur con una Kodak y una Rolleicord. Allí la comisión encargada de recibir a los refugiados le consiguió un trabajo como fotógrafo en uno de los diarios más importantes de Singapur, el Straits Times. Es ahí donde comenzó su carrera fotográfica. Su trabajo consistia en hacer fotos para la sección de sociedad; el estilo de fotografías de Helmut Newton no gustaba en el periódico y fue despedido al poco tiempo.

Helmut Newton no gozaba del apoyo de su padre. Si no hubiera tenido que huir a Singapur, su padre habria insistido en que él trabajase en su fábrica de botones.

De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un período en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial: Después de abandonar el ejército, cambió su apellido Neustäder por Newton. En 1946 el gobierno australiano le concedió la nacionalidad. Después de la guerra, montó un pequeño estudio de fotografía en Melbourne y continuó ese punto. Allí conoció a una guapísima actriz que le hizo de modelo y con la que se entendió desde el primer día, June Browne, que en 1948 se convertiría en June Newton. El suyo sería un matrimonio feliz y sensato, y a pesar de sus altibajos duró hasta la muerte de Helmut.

Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marchó a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viajó a París para trabajar en revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijó su residencia habitual. Allí su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los de más éxito. Los últimos años de Newton discurrieron entre Nueva York y Montecarlo. El 23 de enero de 2004, Helmut Newton muere en un accidente de tráfico en Los Ángeles.

El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra por donde se la observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia han sido portada de las más prestigiosas revistas (Vogue, Elle, Paris Match, Vanity Fair, Stern, der Spiegel, y Playboy) Se han realizado centenares de exposiciones de sus fotos en las mejores galerías del mundo, y en 2004 se abrió un museo en Berlín dedicado íntegramente a su obra, Son famosas las fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos donde algunas de ellas se han convertido en una imagen icónica del siglo XX.

Newton fue un enamorado de la belleza, la que casi obsesivamente lograba captar como nadie con su cámara. Fue el gran retratista de la sofisticación erótica, el lujo, el glamour, la ropa de marca y los tacones de aguja, por la forma en que realzan el cuerpo femenino. Sus modelos habituales fueron mujeres altas y elegantes, de cuerpo perfecto y actitud altiva y dominante. Sus fotografías, casi siempre en elegante blanco y negro, tienen una sensibilidad extraña e inconfundible, algo onírica y en ocasiones con un punto de humor, Sus mejores imágenes son auténticos cuadros de una composición cuidadísima y meditada.

Newton fue uno de los últimos grandes fotógrafos analógicos y, hasta cierto punto, artesanales. Estuvo rodeado de un equipo impresionante de estilistas, peluqueros, maquilladores y modelos, pero para la fotografía en sí misma solo contaba con un ayudante, un par de buenas cámaras (su favorita, una Haseselblad) y un flash adaptable. Newton planificaba cuidadosamente la escena durante dos o tres días, sacando Polaroids para visualizar el resultado, y luego gastaba apenas un par de carretes en las fotos definitivas. Cuenta una modelo en el documental Frames from the edge que la sensación durante una sesión es la de una ola a punto de romper: durante las primeras fotos va subiendo la energía y justo antes del clímax toma la imagen definitiva y congela este instante en el tiempo. Incluso las imágenes aparentemente más espontáneas llevan detrás un duro trabajo de horas en que hasta la más mínima posición de la modelo ha sido planificada. Cada fotograma de Newton contiene una historia concentrada, como el fotograma de una película cuya narrativa se despliega en unos pocos segundos de observación.

El grueso de su trabajo fue de fotografia erótica, de modas o publicitaria, pero también fue un gran retratista, capaz de capturar la esencia del retratado: Catherine Deneuve, Monica Bellucci, Salvador Dalí, David Lynch, Isabella Rosellini, Anthony Burgess... Newton se quedaba desconcertado cuando le decían que sabía captar el alma de sus modelos: "Sólo fotografío un cuerpo, una cara, unas piernas", contestaba el materialista definitivo. Cuando le preguntaron a qué personalidades prefería retratar, Newton contestó " a aquellos que amo, a quienes admiro y a quienes odio"

Declarado como creador del "Porno Chic" en fotografía, buscaba conscientemente presentar sus imágenes como actos de provocación social que rompieran los límites de la fotografía de moda tradicional. Muchas de sus fotos tienen un componente violento, cruel, voluntariamente chocante, en ocasiones surreal y barroco, como si hubieran sido tomadas durante un sueño lúcido en que nada es real del todo ni debe tomarse demasiado literalmente.

Info:Wikipedia ,Jot Down.

Helmut Newton me fascina. Un genio transgresor con una concepción de la fotografía que me ha dejado pegada al ordenador durante horas.

Para este reto he contado con la ayuda de lujo de mi gran amiga Vicky. Desde que buceé por la obra de Newton pensé en ella como modelo. Lo único que tuve que hacer es encontrar la imagen más apropiada para ella, y que nos gustase a las dos. En cuanto tuve la imagen todo fluyó, porque Vicky tiene experiencia sobrada delante de una cámara y es muy fácil y muy agradable trabajar con ella. Preparó el atrezzo y en una mañana obtuvimos la foto deseada. Quiero agradecerle su generosidad, porque sin ella no tendría reto este mes. Esto no es más que el principio, porque se ha convertido en mi musa!!! ♥

Os dejo con Vicky, recreando la fotografía que Helmut Newton realizó en 1972 a la modelo Gunilla Lindblad.



“La fotografía de moda perfecta es aquella que no se parece a una fotografía de moda. Se parece más a una película, a un retrato editorial o quizás a las fotos de los paparazzi.”
(Helmut Newton)


martes, 18 de noviembre de 2014

Doce citas con fotógrafos. Octubre: Vivian Maier

Termina el mes de octubre y continuando con el proyecto Doce Citas con.. con mis compañeras de El Objetivo Mágico.

Este mes la cita ha sido con Vivian Maier.

Vivian Maier (1 de febrero de 1926, Nueva York -21 de abril de 2009, Chicago) fue una fotógrafa norteamericana aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas. Sus padres, refugiados judíos, fueron la francesa María Jaussaud y el austríaco Charles Maier. Pasó su infancia entre Francia y Estados Unidos. Hacia 1930 su padre abandonó a su madre y a ella y entonces ellas convivieron una temporada con una pionera de la fotografía, la surrealista Jane J. Bertrand. Es posible que ahi naciera su interés y su vocación.

En 1951 con 25 años se mudó a Nueva York y en 1956 a Chicago, donde pasó la mayor parte de su vida. Maier no revelaba muchos de sus carretes porque no se lo podía permitir. Solo tomaba fotos sin descanso y sin que aparentemente le importara el resultado final.

En 1959 viajó sola a Egipto, Tailandia, Taiwan, Vietnam, Francia, Italia e Indonesia.

Vivió en Rogers Park y fue niñera de una familia de North Side en Chicago. John Maloof resume la descripción que hacían de ella algunas personas a las que cuidó cuando eran pequeñas:

"Era socialista, feminista, crítica de cine y campechana. Aprendió inglés yendo al teatro porque le encantaba. Solía llevar chaqueta de hombre, zapatos de hombre y un sombrero grande. Estaba tomando fotografías todo el tiempo y luego no se las enseñaba a nadie."

Hacia el final de su vida quedó sin vivienda pero los 3 hijos Ginsberg a los que había cuidado de niños le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009. Ellos recordaban a Maier como una segunda madre. En diciembre de 2008 se cayó cuando caminaba sobre hielo y se golpeó la cabeza. Fue llevada a una residencia de ancianos en Oak Park donde falleció 4 meses después a los 83 años.

En 2007, John Maloof estaba buscando información para escribir un libro de historia sobre Chicago llamado Portage Park y acudió a una subasta donde compró un archivo de fotografías por unos 380 USD. La casa de subastas había adquirido sus pertenencias de un almacén guardamuebles porque había dejado de pagar las cuotas. John Maloof comenzó a revisarlo y lo desechó para su investigación. Decidió revelar una parte y revenderla en internet. Fue entonces cuando el reputado crítico e historiador de fotografía Alan Sekula se puso en contacto con él para evitar que siguiera dispersando aquel material prodigioso y lleno de talento. Maloof, consciente del tesoro rescatado prácticamente de la basura, empezó un minucioso trabajo de investigación, recuperación y protección del archivo de Vivian Maier. Aquello le movió a hacer fotografías similares. Compró la misma cámara Rolleyflex que tenía Vivian Maier y fue a los mismos lugares para hacer fotografías.

Gracias a la familia Gensburgs, para la que Vivian había trabajado durante diecisiete años, John Maloof pudo recuperar dos cajones grandes que iban a ser tirados a la basura. Contenían correspondencia, recortes de periódico y carretes fotográficos en color. De los 100.000 negativos, unos 20.000 o 30.000 todavía estaban en los carretes sin revelar desde 1960 a 1970. John Maloof consiguió revelar los carretes con éxito. Los negativos que reveló Vivian estaban colocados en tiras y tenían la fecha y la localización escritas en francés. John Maloof buscó más información en internet y encontró que había fallecido dos días antes de la búsqueda.

En noviembre de 2010 habían escaneado 10.000 negativos y tenían pendientes de escanear otros 90.000. También quedaban unos cientos de carretes en blanco y negro y unos 600 carretes de color por revelar. Su trabajo muestra escenas callejeras de Chicago y Nueva York en las décadas desde 1950 hasta finales de los 90.

Info: Wikipediaclubdefotografia.net

El trabajo de Vivian Maier es parte de un renacimiento del interés por el arte de la fotografía urbana. Vivian registró algunas de las maravillas más interesantes y peculiares de la urbanidad de Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX.  Su historia ha cautivado al mundo, tanto que se ha rodado un documental sobre su vida titulado Finding Vivian Maier realizado por John Maloof y Charlie Siskel, que os recomiendo veais si teneis oportunidad.

Os dejo su web para que os deleiteis una y otra vez con su maravilloso trabajo:

Web Oficial de Vivian Maier

Este reto me ha resultado especialmente complicado. Me he sentido abrumada por la grandeza de la obra de esta artista. Es por ello que ha sido el mes menos productivo de todas mis citas hasta ahora. Al final me he decantado por un autorretrato, inspirándome en los autorretratos recurrentes que Vivian Maier realizaba en espejos, aprovechando los reflejos.



"Tenemos que dejar sitio a los demás. Esto es una rueda, te subes y llegas al final, alguien más tiene tu misma oportunidad y ocupa tu lugar, hasta el final, una vez más, siempre igual. Nada nuevo bajo el sol."
(Vivian Maier)

sábado, 11 de octubre de 2014

Peregrino

El equipo de Emotionage, dado el éxito de la primera convocatoria, propuso a los participantes que así lo deseasen, realizar una nueva fotopoesía. Yo me ofrecí, así que me asignaron de nuevo un poema para materializarlo en imagen.

El poema que me fue asignado fue Peregrino, de Luis Cernuda:

Peregrino

¿Volver? Vuelva el que tenga,
tras largos años, tras un largo viaje,
cansancio del camino y la codicia
de su tierra, su casa, sus amigos,
del amor que al regreso fiel le espere.

Mas ¿tú? ¿volver? Regresar no piensas,
sino seguir libre adelante,
disponible por siempre, mozo o viejo,
sin hijo que te busque, como a Ulises,
sin Itaca que aguarde y sin Penélope.

Sigue, sigue adelante y no regreses,
fiel hasta el fin del camino y tu vida,
no eches de menos un destino más fácil,
tus pies sobre la tierra antes no hollada,
tus ojos frente a lo antes nunca visto. 

(Luis Cernuda)


Y el fragmento que me fue asignado para representar en imagen:

Sigue, sigue adelante y no regreses,
fiel hasta el fin del camino y tu vida,
no eches de menos un destino más fácil,
tus pies sobre la tierra antes no hollada,
tus ojos frente a lo antes nunca visto. 


La fotopoesía que resultó fue ésta:




lunes, 6 de octubre de 2014

Doce citas con fotógrafos: Septiembre. Ralph Gibson

Termina el mes de Septiembre y continuamos con el proyecto con mis compañeras de El Objetivo Mágico.

Este mes hemos trabajado sobre la obra de Ralph Gibson.

Ralph Gibson (Los Ángeles,16 de enero de 1939) fue hijo único de Rita Vargas y C.Carter Gibson. Su padre trabajaba en Warner Bros, por lo que el cine formaba parte de la vida cotidiana de la familia. Durante su juventud Ralph participó como figurante en películas de Nicholas Ray o Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Cuando en 1954 se divorciaron sus padres bajó su rendimiento escolar y abandonó la escuela en 1955 con dieciséis años. Hasta que tuvo la edad para alistarse en la marina estuvo trabajando como mecánico y el día de su cumpleaños en 1956 se alistó como voluntario.

Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola en Florida, donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. Cuando su barco hacía escala en Nueva York frecuentaba los clubes de jazz y asistía a lecturas de poesía. Durante el servicio militar no solamente aprendió el oficio fotográfico sino que encontró su vocación de fotógrafo.

A su regreso a Los Ángeles tuvo intenciones de matricularse en la escuela de arte, pero tras una breve estancia en San Francisco decidió trasladarse para estudiar fotografía en el instituto de arte de esa ciudad. En 1960 comenzó sus estudios, pero sólo cursó dos semestres ya que quería formarse mediante el trabajo. Su profesor, Paul Hassel, le recomendó un trabajo de ayudante con Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio, aunque paralelamente desarrolló su estilo personal. Realizó su primera exposición, y en 1961 se compró una cámara Leica con película de 35 mm. Entonces descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías.

En 1962 se muda a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico. Como fotógrafo independiente no obtuvo muchos trabajos. Sin embargo estuvo trabajando varios meses para la Cinerama Corporation, que preparaba la Feria Mundial de Nueva York de 1964. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. En 1966 trabajó para varios editores gráficos de moda. Uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro, titulado Strips.

A finales de 1966 decidió trasladarse a Nueva York y se instaló en el Hotel Chelsea con sus Leicas y doscientos dólares en el bolsillo. Esta ciudad estimuló su imaginación y le pareció como un paraíso para los fotógrafos. Pronto consiguió numerosos trabajos y pudo frecuentar los ambientes de los jóvenes artistas. A principios de 1967 conoció a Robert Frank y lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano. En 1968 conoce a Larry Clark y Mary Ellen Mark, que influyen en su concepción de la fotografía. A partir de ese momento se alejó del fotoperiodismo y expresó un rechazo hacia la fotografía comercial.

Atraído por escritores como Marguerite Duras y Jorge Luis Borges, por la nueva novela, la música atonal y la poesía concreta se dedicó a la vida en la noche y a dormir durante el día. Su concepción de la fotografía cambia y se convierte en el instrumento de la introspección. Sus negativos adoptan un tono surrealista y con ellos decide publicar un libro: The Somnambulist. Sin embargo, debió esperar tres años para publicarlo. Al principio, por no encontrar editor, pero en cuanto tuvo varias ofertas decidió crear su propia editorial, Lustrum Press, para mantener así su independencia. En 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro, y su publicación supuso un éxito inmediato. A partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias.

Desde la publicación de su libro Ralph Gibson fue reconocido en los círculos fotográficos. En 1971 emprendió un viaje por Europa, lo que le permitió tomar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Dejá Vu (el segundo de su trilogía). El último libro de su trilogía aparece en 1975 con el título de Days at sea. Tres publicaciones que reflejan el trabajo sólido de un fotógrafo que se ha hecho a sí mismo dejando una posible estabilidad para centrarse en aquello que le reportaba más satisfacciones a nivel creativo.

Ha recibido numerosas distinciones y premios:

  • premiado por la National Endowment for the Arts en 1973, 1975 y 1986
  • premiado por la Deutscher Akademischer Austauschdienst Exchange en Berlín
  • premiado por el New York State Council of the Arts
  • premiado en 1985 por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation
  • Officier de L'Ordre des Arts et des Lettres en 1986
  • Commandeur de L'Ordre des Arts et des Lettres por el Gobierno francés (2002)
  • Leica Medal of Excellence Award (1988)
  • 150 Years of Photography Award dado por la Sociedad fotográfica de Japón (1989)
  • la Gran Medalla de la ciudad de Arlés en 1994
  • la Lucie Award en 2007 por lo logros alcanzados a lo largo de su vida
  • nombrado doctor honorario en Artes por la Universidad de Maryland (1991) y por la Universidad Wesleyan de Ohio (1997)
Gibson vive en Nueva York y viaja con frecuencia a Europa y Brasil.

A día de hoy son muchos los autores que beben de la fuente de Ralph Gibson. Que utilizan su simbología para crear imágenes propias y únicas de su universo interior. De ese universo que late a través de imágenes oníricas, de nubes, de sombras, de claros. Un fotógrafo solo apto para aquellos que quieran entrar en su mundo, pero que sin embargo es absolutamente recomendable para todos. 

Info extraída de: Wikipedia y Xatakafoto.


Este reto ha sido apasionante. Uno de los más estimulantes de todo el proyecto hasta ahora. Adentrarme en la obra de Ralph Gibson ha sido una aventura, un viaje divertido y estimulante. Y puedo decir que ha cambiado sustancialmente mi manera de mirar. Me he sentido especialmente atraída por las series Black y Haiku. Y junto a mi compañero y ayudante incondicional, que tiene un ojo y una visión increíble, hemos estado paseando por la ciudad observando los detalles, estudiando la luz. Y observando el entorno el blanco y negro. Gibson tiene un don: sus fotografías dejan las puertas abiertas a la imaginación del espectador, para que cada cual imagine su propia historia partiendo de lo que ve. Esto es, en mi opinión lo que le hace tan grande. Quiero dar las gracias especialmente a Iratxe Cieza por haber escogido a este fotógrafo para el reto. No lo conocía y ha sido un descubrimiento maravilloso.

También las gracias a mi chico por prestarse una vez más como modelo, pacientemente, con cazadora, a pesar de los calores. Y por su compañía y colaboración siempre. Somos un equipo.

Os dejo con el trabajo que he realizado este mes inspirándome en la obra de Ralph Gibson:






Y a continuación dos fotografías inspiradas en su trabajo pero no en ninguna fotografía concreta del autor, sino en su trabajo en general, en su manera de construir las imágenes:





"He sido fotógrafo toda mi vida… He fotografiado muchas cosas por muy diversas razones. Pero hay algo que cada vez se hace más y más evidente y es sencillamente que soy tan bueno como lo es mi próxima fotografía. Es lo que más importa. Es por este motivo que encuentro tanto placer al enfrentarme a un nuevo día y al revelar ese nuevo carrete. Es una forma de vivir genial."

Ralph Gibson, 16 de enero de 2010.





jueves, 25 de septiembre de 2014

A la caza del atardecer

Durante mis vacaciones este pasado mes de Julio estuve una vez más cazando tesoros. Los doce tesoros propuestos por Jackie Rueda, un rally fotográfico donde cada uno, por diversión, ha de encontrar doce tesoros urbanos y reunir el botín antes de que termine el mes. Este ha sido el tercer verano que me decido a buscarlos porque me resulta muy divertido y además me sirve para entrenar mi ojo fotográfico. El año pasado mi búsqueda fue en grupo, con mis queridas chicas de El Objetivo Mágico.

Uno de los tesoros asignados por Jackie era un atardecer, así que me fui en su busca. Y esta fue mi ruta:











El sol se renueva cada día. No cesará de ser eternamente nuevo. 
Heráclito

sábado, 13 de septiembre de 2014

Dos pasiones unidas

Desde pequeñita me han gustado los Playmobils. No tenía muchos porque al ser niña me regalaban Barriguitas y otras muñecas más al uso y costumbres de niñas :) Pero me he hecho mayor y con  treinta y tantos me he "arrejuntado" con un apasionado de los Playmobils. Entre los dos nos hemos hecho con una pequeña colección. Y vivimos rodeados de ellos, y nos encanta!!!

Cuando empecé a engancharme a la fotografía (en realidad siempre he sentido que la fotografía era parte de mí, pero fue hace tres años cuando se convirtió en una pasión) comencé a fotografiar clicks. Es muy divertido y estimulante, porque imaginar y construir historias con ellos da mucho juego.

Este año estoy embarcada en dos proyectos fotográficos personales:
Teleidoscope 2014 y Hoy toca ser feliz. Tanto en uno como en otro he realizado escenas con los Playmobils, y ya no puedo parar!! Me gusta mucho, y pone mi cerebro y mi creatividad a funcionar. Mis dos pasiones unidas. ¿Qué puede haber más motivador?

Os dejo con las tres que he realizado este pasado mes de Julio en la playa, con la maravillosa ayuda de mi madre ♥
Tirarme al suelo, llenarme de arena y clavarme todas las piedrecitas mereció la pena :) Os lo aseguro!!







martes, 2 de septiembre de 2014

Sólo el amor

Hace tres meses me animé a colaborar en un proyecto que combina literatura y fotografía.
El equipo de Emotionage se encarga de asignar a cada participante un poema, y a partir de ese poema se ha de materializar en una imagen, la emoción o el pensamiento que te ha generado.

Desde el principio me pareció un proyecto precioso, y no dudé ni un segundo en participar.

La poesía que recibí es Sólo el amor de José Angel Valente:

Sólo el amor

Cuando el amor es gesto del amor y queda
vacío un signo sólo.
Cuando está el leño en el hogar,
mas no la llama viva.
Cuando es el rito más que el hombre.
Cuando acaso empezamos
a repetir palabras que no pueden
conjurar lo perdido.

Cuando tú y yo estamos frente a frente
y una extensión desierta nos separa.
Cuando la noche cae.
Cuando nos damos
desesperadamente a la esperanza
de que sólo el amor
abra tus labios a la luz del día.

Y el fragmento que me fue asignado para representar en imagen:

Cuando nos damos
desesperadamente a la esperanza
de que sólo el amor
abra tus labios a la luz del día.

La fotopoesía que surgió finalmente fue ésta:



viernes, 29 de agosto de 2014

Doce citas con fotógrafos: Agosto. Andreas Gursky


Termina el mes de Agosto y seguimos con el proyecto Doce citas con fotógrafos junto a mis chicas de El Objetivo Mágico.

Nuestra cita este mes ha sido con Andreas Gursky.

Andreas Gursky (15 de Enero de 1955, Leipzig) es un fotógrafo alemán conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea. Andreas Gursky nació en una familia de fotógrafos, ya que tanto su padre, Willy Gursky, como su abuelo Nazi Hans (1890–1960) han sido fotógrafos publicitarios.Desde muy joven se familiarizó con la fotografía comercial. Estudió Comunicación Visual en la universidad de Duisburg-Essen y al mismo tiempo cursó estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf. Junto a los fotógrafos Axel Hütte, Jörg Sasse, Thomas Struth, Candida Höfer y Thomas Ruff pertenece al grupo de la Escuela de Becher (‘’Becher-Schüler’’), conocidos como la Escuela de Fotografía de Düsseldorf.

Sus fotografías, de gran formato y ricas en color y detalle, representan con frecuencia lugares de intercambio humano vinculados a la sociedad tardo-capitalista, espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, plantas industriales, oficinas, hoteles, supermercados, o piscinas; así como lugares donde lo humano constituye únicamente una huella anecdótica.En sus fotografías de exterior en las que retrata paisajes de montaña, cataratas y carreteras donde se aprecia la inmensidad del entorno en contraste con la pequeñez de lo humano. La repetición juega un papel muy importante en la obra de Gursky. En sus fotos aparecen a menudo acumulaciones de objetos similares que, a pesar de la complejidad evidente, mantienen un orden implícito.

Gursky incorpora a su técnica fotográfica las ventajas de los avances tecnológicos en el proceso fotográfico. La manipulación digital sirve a Gursky para crear un mundo inventado en el que, sin embargo, el espectador de sus fotografías se sabe reconocer de inmediato.A primera vista, las imágenes de Gursky llevan al engaño. No son un mero clic en una cámara que cuesta varios miles de euros. Utiliza métodos digitales para trabajar con las imágenes, añadiendo efectos o suprimiendo partes de la composición. Como la paleta de un pintor.

Ha expuesto en instituciones de todo el mundo. Su fotografía 99 Cent II Diptychon se sitúa en el cuarto lugar en la lista de fotografías más caras vendidas de toda la historia, y su fotografía Rhein II es actualmente la foto más cara vendida de toda la historia, y por la que más dinero se ha pagado en una subasta.

Sus fotografías, aparentemente frías y descontextualizadas, aunque caracterizadas por su impecable sentido de la composición, se convierten en crudos inventarios de la sociedad de consumo.

Este mes ha sido diferente para mí, porque he sido yo quien escogió a este autor para trabajar sobre él durante todo este mes. Lo descubrí en el curso de Composición de Encandilarte Fotografía que realicé en febrero del año pasado y me fascinó. Y decidí escogerlo para este reto porque es completamente distinto a todos los fotógrafos en los que habíamos trabajado hasta ahora, y es bueno salir de la zona cómoda. A mí me ha hecho sudar tinta, y me queda muchísimo que aprender todavía en este tipo de fotografía. Pero ha valido la pena y estoy muy contenta. Reconozco que ha habido días que me he bloqueado, y ha sido gracias a mis compañeras que he podido resolver y llevar a cabo la edición de todas estas fotografías. Todos los meses lo digo pero necesito repetirlo, mis compañeras de El Objetivo Mágico son lo mejor, sin ellas nunca habría sido capaz de avanzar tanto. Gracias chicas!! ♥ ♥

Aquí está el trabajo que he realizado este mes inspirándome en la obra de este grandioso fotógrafo:








"El espacio es muy importante para mí, pero de una manera abstracta. Quizás para intentar entender no solo que estamos viviendo en cierto edificio o en un determinado lugar, sino para darnos cuenta de que estamos viviendo en un planeta que está viajando a una velocidad enorme por el universo.” 
(A.Gursky)

domingo, 10 de agosto de 2014

El mar. Regreso

El mar me calma, me equilibra. Pasear junto al mar es un ritual, porque no concibo unas vacaciones sin regresar a él, desde que la memoria me alcanza. Y en estos paseos nunca falta mi cámara.


El mar, el mar y tú, plural espejo,
el mar de torso perezoso y lento
nadando por el mar, del mar sediento:
el mar que muere y nace en un reflejo.
[...]

(Octavio Paz)










viernes, 8 de agosto de 2014

Doce citas con fotógrafos: Julio. Richard Avedon

Termina el mes de Julio y seguimos con el proyecto Doce citas con fotógrafos junto a mis chicas de El Objetivo Mágico.

Este mes la cita ha sido con Richard Avedon.

Richard Avedon (Nueva York 1923, San Antonio, Texas 2004) comenzó su carrera profesional en los años 50, realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harpers Bazaar, donde acabó convirtiéndose en jefe de fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras importantes revistas como Vogue, Life y Look. En 1959 publica Observaciones, obra que contiene retratos de personalidades y algunas fotos de moda, con la que obtiene una gran repercusión.

En los años 60, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo, fotografiando durante el año 1963 el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing Personal. Este libro es una primera aproximación hacia los contrastes de la sociedad americana.

A finales de 1960 y principios de 1970 trabaja para el diario New York Times realizando reportajes sobre líderes militares y víctimas de la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos.

En 1976 publica su antología Portraits.

En el año 1979 comienza a realizar el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes: In the American West. En esta obra Avedon, por encargo del Museo Amon Carter dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. Nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo, empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Así se explicaba: "El fondo blanco aísla al sujeto de sí mismo y te permite explorar la geografía de su cara; el continente inexplorado en el rostro humano". Al término del proyecto, Avedon había recorrido un totál de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando 17.000 placas de película. De esta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In the American West 1979-1984.

En la Navidad de 1989 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche que caía el Muro de Berlín.

En el año 1991 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad.

Richard Avedon consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que las modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Trabajaba con modelos gráciles y elegantes con la agilidad de bailarinas de ballet y capacidad para reir y expresarse con facilidad. Las imágenes de Avedon tenían un aire de espontaneidad y una frescura nunca antes vista en el género de fotografía de moda. No parecían imágenes totalmente posadas, pero queda claro que eran pensadas y planeadas meticulosamente.

El retrato como género le llevó a la cúspide. Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marylin Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo: la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así, desnudo, el retratado era capaz de mostrar su personalidad más sincera. Avedon acechaba a sus modelos literalmente. Podía pasar una hora merodeando a su sujeto hasta que llegaba el momento exacto de oprimir el obturador. La emboscada era la clave para producir imágenes poderosas.

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica.

Información: WikipediaCada día un fotógrafo.comoscar en fotos.com

Aquí podeis disfrutar de su obra: Web oficial de Richard Avedon

Este mes he disfrutado muchísimo con el reto. El dia que me senté a profundizar y visualizar la obra de Richard Avedon para escoger sobre qué imágenes iba a trabajar me quedé literalmente pegada a la silla, estuve más de dos horas viendo sus retratos y leyendo su biografía. Me quedé prendada de su dominio de la técnica pero, lo que más me llamó la atención fue su capacidad para captar la esencia, el alma de quienes fotografió, fueran anónimos o célebres. Tenía un don para eso, y con eso se nace, estoy segura.

He tenido la suerte además de tener mi mes de vacaciones en Julio. con lo cual he tenido mucho más tiempo y relax para trabajar en mis imágenes. Escogí esta sesión que Avedon realizó en 1965 para la revista Harpers Bazaar y me puse en contacto con mis amigos Víctor y Mara, porque me encajaban perfectamente como Steve McQueen y Jane Shrimpton. Ellos, que son un cielo, me reservaron un fin de semana, me abrieron las puertas de su casa, y lo dieron todo, el 110%, para que la sesión saliera bien. Mara compró atrezzo, se maquilló, se peinó, preparó todo el vestuario conmigo (habiamos hablado de todos los detalles días antes y ella es muy previsora) y Victor se arregló como para una boda :) Pasamos una mañana divertida, y los problemillas que fueron surgiendo ellos me ayudaron a solventarlos. Todo salió perfecto. Con modelos así da gusto emprender retos como éste. Gracias infinitas por vuestra paciencia, disposición y generosidad ♥ ♥ ♥

Los dos son muy artistas. Mara es la vocalista del grupo Sounds of Apollo y también escritora, es la fundadora de la revista digital Lupus in Fábula donde tiene una sección en la que escribe una novela seriada llamada "El alfabeto oscuro". Tiene una voz preciosa y un don para escribir muy especial.
Víctor es el creador y presentador de un programa de música negra llamado El Ghetto. Lleva cinco temporadas emitiendo on line y está posicionado como uno de los mejores programas del panorama nacional de este género en el medio virtual. Sin duda lo merece porque es un crack!!

Esta es la sesión original de Avedon en la que me he inspirado:

Steve McQueen y Jane Shrimpton, 1965. Harpers Bazaar

y estas son las fotografías resultantes de mi trabajo del mes. Espero que os gusten!!







Y también quiero dar las gracias a mi chico por hacer de modelo para esta fotografía que Avedon le sacó al boxeador Joe Louis, en 1963. Gracias por estar ahí y ayudarme siempre!! ♥ 



"Algunas veces pienso que todas mis fotografías son fotografías de mí mismo. Mi preocupación es … la condición humana; sólo que considero que la condición humana puede ser, simplemente, la mía propia. Todas las fotografías son exactas. Ninguna es verdadera."
Richard Avedon



domingo, 20 de julio de 2014

Un concierto con magia

La otra noche del jueves 17 de Julio tuve la gran suerte de disfrutar de un concierto maravilloso en un entorno de lujo. El grupo: Eva Menage- Free Boleros. El lugar: La Plaza de Santa María de Peñíscola, que a las 11 de la noche no puede ser más hechizante.

La solista es mi gran amiga Eva Menacho, que, además de tener una voz preciosa es una fotógrafa de alto nivel. Tengo la suerte de compartir con ella y con otras maravillosas compañeras un proyecto fotográfico El Objetivo Mágico, y además, como la vida nos conecta de manera caprichosa y casual (o causal, como me gusta pensar) resulta que llevo toda la vida pasando mis vacaciones en su pueblo, Benicarló. Esta es la primera vez que los he visto actuar y me han robado el corazón, sobre todo con su versión de Fields of Gold de Sting. Es uno de mis temas favoritos. Según el estado de ánimo en el que yo me encuentre me hace sentir mucho más alegre o mucho más triste. Una canción muy especial que a partir de ahora nunca olvidaré cantada con la preciosa voz de Eva ♥

Os dejo aquí una muestra de las fotografías que saqué durante el concierto:













Gracias Eva, Chus y Norah por la compañia, sois un cielo!!! ♥ ♥ Lo pasé genial!!!